por Audrey Jacobs

Luis Fernando Romaña no comenzó como artista textil. Comenzó como pintor. Durante casi seis años, la pintura fue su principal forma de expresión. Trabajaba con visión, color y emoción, y a menudo veía la obra terminada con claridad en su mente antes de que tocara la superficie. Pero después de años de pintar, algo cambió. Las visiones se detuvieron.

Lo que siguió fue lo que Luis describe como un periodo oscuro de su vida. Un tiempo en el que la inspiración desapareció por completo. No a causa de un solo acontecimiento, sino por una convergencia de experiencias que lo obligaron a mirar hacia adentro. Algunas tradiciones llaman a esto enfrentar la sombra. Para Luis, fue un largo proceso de integración que duró casi seis años.

Durante ese tiempo, dejó de crear arte por completo. Trabajó en todo tipo de empleos. Aprendió sobre la vida fuera del proceso creativo. Y esperó, sin saber si su creatividad regresaría alguna vez. El punto de inflexión llegó de manera inesperada.

Mientras viajaba por Nayarit, una región de México considerada sagrada por muchas comunidades indígenas, Luis visitó una galería que exhibía obras del pueblo Wixárika, una antigua cultura indígena de la Sierra Madre Occidental cuyas tradiciones han permanecido en gran medida intactas frente a la colonización. Allí se encontró con obras ceremoniales realizadas con estambre.

Las piezas estaban hechas con estambre acrílico o de lana presionado sobre cera en madera, formando composiciones densas y simbólicas. Ceremonias, caminos, símbolos cosmológicos y narrativas espirituales emergían a través del hilo en lugar de la pintura. El trabajo era intuitivo, espiritual y profundamente arraigado en la práctica ancestral. Algo se abrió en él.

Esa noche, después de ver la obra, Luis tuvo un sueño vívido. No se describe a sí mismo como alguien que sueñe intensamente con regularidad, ni atribuye la experiencia a ninguna sustancia. Pero este sueño se sintió real.

En él, aparecieron cinco abuelos y le entregaron la técnica. No como instrucción, sino como permiso; permiso para usar el método, permiso para llevarlo adelante a su manera.

Le tomó semanas confiar en la experiencia. Tras años de bloqueo creativo, fue cauteloso. Pero finalmente se encontró entrando a una tienda de bordados, comprando estambre y comenzando de nuevo desde cero. No buscó instrucción de otros artistas. Dice que ya sabía intuitivamente qué hacer.

Lo que siguió fueron meses de experimentación, ensayo y error. Luis eligió estambre de algodón en lugar de acrílico, atraído por su textura y profundidad visual. Investigó materiales y se decidió por una cera tradicional llamada cera de Campeche, producida en el sur de México y utilizada por artesanos indígenas durante generaciones. La cera se moldea y se coloca sobre la madera, permitiendo que el hilo de algodón se presione en la superficie y se conserve durante décadas. Algunas obras Wixárika tradicionales que utilizan este método tienen más de 100 años.

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Luis talla sus propias herramientas. Cada pieza tarda aproximadamente de una a dos semanas en completarse. Trabaja de tres a cinco horas al día, presionando el hilo en la cera, construyendo la composición lentamente. No hay boceto. No hay una imagen predeterminada. Selecciona cinco o seis colores al inicio y permite que las figuras emerjan de manera orgánica a medida que trabaja.

Serpientes, hongos, animales, formas abstractas y senderos simbólicos aparecen repetidamente. El proceso es intuitivo y físico, arraigado en la repetición y la presencia más que en la planificación.

Luis no afirma replicar el arte indígena. Lo que crea es una obra contemporánea que utiliza una técnica antigua, guiada por el respeto y el permiso. Sus piezas se sitúan en la intersección entre la visión personal y el método ancestral, honrando la tradición mientras permite que evolucione.

Esto no es tejido como decoración. Es tejido como una forma de arte y creatividad sin límites.

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Luis Fernando Romaña nació y creció en México y vive en San Miguel, donde lo conocí durante el Guadalupe Art Walk, una reunión anual de artistas y creadores locales. Fue un honor adquirir una de sus piezas titulada Living Nature para colgarla y disfrutarla en mi hogar en San Miguel.

La obra de Luis es única no porque imite la tradición, sino porque honra una de las formas de arte indígena más antiguas del país y la proyecta hacia un lenguaje visual contemporáneo que es completamente suyo.

Lo que crea es raro: arraigado en el linaje, guiado por la intuición, hecho con un nivel de devoción que no puede apresurarse ni replicarse. Esto no es tejido como decoración. Es tejido como una forma de arte y creatividad sin límites. Como todas las verdaderas tradiciones artesanales, revela más cuanto más tiempo se pasa con él y con su arte.

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